Partituras para tocar con la flauta

º

Canciones para cantar

Canciones para entonar en el día de la paz. 

UN MILLÓN DE AMIGOS (Roberto Carlos)

Yo sólo quiero mirar los campos, 
yo sólo quiero cantar mi canto, 
pero no quiero cantar solito, 
yo quiero un coro de pajaritos. 

Quiero llevar este canto amigo 
a quién lo pudiera necesitar 
Yo quiero tener un millón de amigos 
y así más fuerte poder cantar. 
Yo quiero tener un millón de amigos 
y así más fuerte poder cantar. 

Yo sólo quiero un viento fuerte, 
llevar mi barco con rumbo norte, 
y en el trayecto voy a pescar 
para dividir luego al arrivar. 

Quiero llevar este canto amigo ... 

Yo quiero creer la paz del futuro 
quiero tener un hogar seguro. 
Quiero a mi hijo pisando firme, 
cantando alto, sonriendo libre. 

Quiero llevar este canto amigo ... 

Yo quiero amor siempre en esta vida, 
sentir calor de una mano amiga, 
quiero a mi hermano sonrisa al viento, 
verlo llorar pero de contento. 

Quiero llevar este canto amigo ... 

Venga conmigo a ver los campos 
cante conmigo también mi canto 
pero no quiero cantar solito 
yo quiero un coro de pajaritos 

Quiero llevar este canto amigo ...

LOS NIÑOS QUEREMOS LA PAZ (Tres más Dos)

Se paró el reloj                                         
en el andén de la estación,     
despertó una canción,    
en un rincón del corazón. 
Son de aquí, son de allá, 
se fueron sin poder hablar. 
Su familia somos todos 
y nunca vamos a olvidar. 

Amigo conmigo tú puedes contar, 
y todos unidos vamos a ganar. 

Canta conmigo canta 
gritaremos basta ya. 
Ven y dame la mano, 
los niños queremos la paz. 
(BIS) 

Nuestra voz llegará 
por la tierra y por el mar, 
yo estaré, tú estarás 
y nunca nos podrán callar. 
No nos van a quitar 
la esperanza de vivir, 
en un mundo sin temor 
donde poder ser feliz. 

Amigo conmigo tú puedes contar, 
y todos unidos vamos a ganar. 

Canta conmigo canta 
gritaremos basta ya. 
Ven y dame la mano, 
los niños queremos la paz. 
(BIS) 

Hoy estamos aquí 
te queremos cantar, 
los niños queremos la paz. 
Hoy estamos aquí 
te queremos cantar, 
el mundo quiere estar en paz. 
Canta conmigo canta 
gritaremos basta ya. 
Ven y dame la mano, 
el mundo quiere estar en paz, 
el mundo quiere estar en paz, 
el mundo quiere estar en paz.

Glosario

Vamos a dar algunos términos que completan la información.

- Acorde: un acorde es una agrupación simultánea de sonidos elaborada de acuerdo a las leyes de la armonía, ciencia que se ocupa de su confirmación y encadenamiento. Las músicas vanguardistas aceptan casi cualquier agrupación de sonidos. No obstante, la armonía clásica partía de acordes formadas mediante reglas más restrictivas. Los acordes más básicos se forman añadiendo una tercera y una quinta a la nota fundamental. Si la tercera es mayor (2tonos) tenemos un acorde mayor (do, mi, sol) y si es menor (1 tono y un semi-tono) tenemos un acuerdo menor (do, mi y sol).

- Las alteraciones: son los signos que se emplean para modificar la altura de los sonidos. Se escriben a la izquierda de la nota a la que afectan y son tres: sostenido, bemol y becuadro. El  sostenido eleva la nota afectada medio tono, el bemol la baja medio tono y el becuadro anula el efecto de cualquiera de las otras dos alteraciones.

Podemos distinguir tono entre alteraciones propias y alteraciones accidentales. Las alteraciones propias se escriben al comienzo, en la armadura, a la derecha de la clave y afectan a toda la pieza sin que haya que escribirlas cada vez, ya que forman parte de la escala básica utilizada en la pieza. Las alteraciones accidentales aparecen ocasionalmente a lo largo de la partitura.

- A capella: esta expresión se utiliza modernamente para designar la interpretación con voces solas, es decir, sin ningún tipo de acompañamiento o intervención instrumental (literalmente significa “a capilla”, en alusión a las capillas (agrupaciones) musicales de la Edad Media y del Renacimiento. Quienes popularizaron el término daban por supuesto un hecho hoy muy discutido: el de la interpretación de la polifonía de esas épocas sólo con voces. En efecto, parece que esa no era una práctica generalizada, o al menos estandarizada totalmente, ya que las capillas musicales estaban formadas por cantantes e instrumentistas, y estos últimos doblaban a menudo las voces.

- Armonía: junto al contrapunto, la armonía es la ciencia que se ocupa de la textura armónica. Concretamente, la armonía podría definirse como el arte de formar y enlazar los acordes. Su origen puede remontarse a finales del S XVI, época en que se empieza a pensar la textura más en términos de verticalidad que de conducción horizontal de las voces.

- Calderón: signo que colocado sobre una nota o silencio prolonga su duración a voluntad del intérprete. Fuera de España se usa más el término italiano “FERMATA”.

- Claves: la clave es el primer signo que se coloca al comienzo de un pentagrama. Su colocación sobre una determinada línea nos indica la altura y nombre de las notas situadas ahí, y en consecuencia, la altura y nombre de todas las demás. Hay tres figuras de clave:

          - Sol (procedente en su forma de una G) – Do (procedente en su forma de una C) – Fa (procedente en su forma de una F). Hoy día, la clave de sol se coloca en la segunda línea del pentagrama; la clave de Do en la 1ª, 2ª, 3ª y 4ª; y la de Fa en 3ª y 4ª.

- Bajo continuo: es un sistema de acompañamiento a base de acordes, típicos del Barroco. Los compositores solían escribir unas cifras sobre las notas de la línea del bajo, indicando con ellas a los intérpretes, los acordes sobre los que debía improvisar. Hay que tener en cuenta que el bajo continuo no es un instrumento, sino una técnica de acompañamiento que puede desarrollarse con cualquiera de los instrumentos polifónicos de la orquesta, los más frecuentes son el clavecí, el land, el arpa y el órgano. El bajo continuo está presente tanto en las obras de cámara (1sonata para flauta o bajo continuo) como en las orquestas (una suite orquestal o un concierto para violín y bajo continuo).

- Contrapunto imitativo: el contrapunto, junto con la Armonía, es la ciencia que se ocupa del estudio de la textura armónica. Si la Armonía nos enseña cómo construir y enlazar los acordes, el contrapunto nos dice qué melodías podemos añadir a una preexistente. El contrapunto imitativo es una técnica de la polifonía renacentista. Consiste en al imitación de pequeños fragmentos entre las distintos voces que componen la textura de una pieza.

- Consonancia: podría decirse que la consonancia es la impresión agradable que produce en nuestro oído la fusión de dos o más sonidos o acordes simultáneos. Como tantas cosas en la música, el concepto de consonancia presenta un aspecto subjetivo al que aluden los términos, impresión y agradable, pero también se apoya en una base científica: la serie de armónicos que compone cada sonido. Hasta los S.  XII y XIII sólo se consideran consonantes los intervalos de octava, quinta y cuarta; lo serán también los de 3ª y 6ª.

- Disonancia: podría decirse que la disonancia es la impresión desagradable que produce a nuestro oído la fusión de dos o más sonidos acordes o simultáneos. Más que desagrado, podría hablarse de inestabilidad, desequilibrio, tensión, es decir, lo contrario a la consonancia. Como tatas cosas en la música, el concepto de disonancia presenta un aspecto subjetivo, que aluden los términos impresión y desagradable, pero también se apoya en un base científica: la serie de armónicos que compone cada sonido. Los intervalos que producen mayor distancia son los de 2ª mayor, 7ª menor, y 4ª aumentada (denominada Cuarta tritono o diaboeus in música).

- Arias: una de las partes operas, oratorias y cantatas. Se trata de una pieza para voz y acompañamiento instrumental, que en las citadas obras, alterna con las recitativas, los interludios instrumentales y los coros. En la ópera barroca, la importancia de las arias era tal que todo el desarrollo dramático se estructuraba en base a su colocación suficientemente especial. La forma más típica del aria, era la llamada Aria de Capo, con estructura ABA, muy utilizado por Bach en sus cantatas y por Haendel en sus óperas y oratorios. A partir del S. XIX el aria pierde importancia.

- Bel canto: expresión italiana que significa “hermoso canto”. Se refiere a la técnica vocal que se originó en Italia al principio del S. XVII y que alcanzó su máxima expresión en la ópera de principios del S. XIX. Así, muchas de las épocas compuestas en la 1ª década de ese siglo, son consideradas óperas belcantistas. Los compositores que se asocien comúnmente al estilo son: Rossini, Bellini y Donizetti quienes desarrollen un tipo de aria muy lírica, con agudos que destacan sobre la orquesta. Son cualidades de una vez belcantista: la belleza de emisión, la agilidad y el lirismo.

- Palo flamenco: se conoce como palo a cada una de las variedades del canto flamenco. Los palos pueden clasificarse siguiendo varios criterios: según sea su compás. Su carácter serio o festivo, su origen geográfico, etc. Los palos pueden dividirse en cinco grupos desde el punto de vista de la métrica dependiendo de su compás.

          - Métrica de 12 tiempos: Soleá y Segundilla.

          - métrica binaria y cuaternaria: Taranta, Mariana, Danza, Tangos, Zambra, Farruca, Garrotín, Rumba, Danzón, Colombiana y Milonga.

          - Métrica ternaria: Fandango de Huelva, Fandango Malagueño, Sevillanas y Verdiales..

          - Métrica polirrítimica: zapateado.

          - Métrica libre (Ad limitum): Toná, Bebla, Martinete, Carcelera, Cantes ramperos, Saeta, Malagueña, Granaina, etc.

- Concierto grosso: forma musical surgida en el barroco y desarrollada enormemente en las épocas siguientes. En esencia, consiste en una pieza de varios movimientos en la que uno o varios solistas dialogan con una orquesta. Cuando son varios los solistas (como ocurre en varios de los conciertos de Branderburgo de Bach) el concierto se denomina concierto grosso. En número de movimientos que suele tener el concierto barroco son tres, según la fórmula preferencia por Vivaldi: rápido, lento, rápido.

- Cuarteto de cuerda: el cuarteto de cuerda es una agrupación instrumental  (normalmente dos violines, viola y violonchelo) y también una forma musical escrita para esa formación. Aunque tiene interesantes antecedentes barrocos es una forma esencialmente clásica. En el S.XVIII tenía que tener cuatro movimientos: uno rápido inicial con esquema de forma sonada, uno lento o andante, un minueto y un final rápido. A veces, el minueto intercambia su puesto con el segundo movimiento. Hayam compuso setenta cuartetos de cuerda y Mozart veintiséis, los cuartetos de Beethoven constituyen un puente de unión con el cuarteto romántico cultivado con Schubert, y Brahms.

- Folklore/Folclore: es el conjunto de las manifestaciones culturales que cada comunidad transmite anónimamente de generación en generación casi siempre de forma no escrita. Estas tradiciones, que incluyen leyendas, costumbres, gastronomía, canciones, danzas, etc., definen en cierto modo la personalidad colectiva de cada pueblo. Es frecuente, en el campo de los musical, ordenar el material folclórico para su estudio atendiendo a diversos criterios: el ciclo de la vida (nanas, canciones de matrimonio), la función (cantos de trabajos, infantiles, religiosos), tiempo del años (villancicos, carnaval, etc.)

- Forma sonata: se trata del esquema formal más importante de los S. XIX. Conviene comenzar señalando que una sonata y un esquema en forma de sonata, son cosas aunque emparentadas, distintas. Una sonata es una forma musical en varios movimientos surgidos en el Barroco y desarrollada en los períodos siguientes. Uno de esos desarrollados consistió en elaborar el primero de sus movimientos siguiendo unas reglas, un esquema que se conoce con el nombre de “forma sonata” fuego, forma de sonata es un esquema compositivo aplicable a un movimiento de la sonata (normalmente en 1º), y de otras formas  musicales como la sinfonía, el cuarteto o el concierto.

Pues bien, un moviendo hecho según dicho esquema, tiene tres partes: exposición, desarrollo y reexposición. En la 1ª, a veces tras una introducción, se presentan los temas A y B enlazados por un puente. A esta tonalidad principal de la obra y B en un tono vecino. En el desarrollo el compositor juega con diferentes manipulaciones de los temas, y en la reexposición se vuelve a estudiar el material de la exposición de la exposición, pero con el tema B en la tonalidad principal. A veces se acaba con una coda.

- Lied (lieder): es una palabra alemana que significa canción. Sin embargo, es muy frecuente utilizar el término para referirse a una estructura formal ternaria (ABA) y sobre todo para designar al tipo de canción alemana que florece en el romanticismo, cultivado con singular acierto, por Schubert y Schumann entre otros. La mayor parte de los lieder son para canto y piano. El lied admite tantas variedades estructurales como la canción y su esencia está en la elaboración del acompañamiento que suele cernirse del espíritu de la poesía musical.

- Madrigal: aunque en la Edad Media se refería a un tipo de composición a dos o tres voces con Ritonello (especie de estribillo de dos versos), cuando el término reaparece en el Renacimiento viene a significar en lo profano algo así como el motete en lo religioso. Es como un afrottola (equivalente italiano de nuestro villancico), pero de mayores pretensiones artísticas y de forma más libre. Generalmente se usaron hasta 5 voces y el texto era siempre en lengua vernácula.

- Motete: una de las formas polifónicas surgidas en la Edad Media. Su nombre viene del término francés “mot”, que significa “palabra”. Y es que el origen de esta forma está en la práctica de añadir un texto como ayuda para recordar los largos melismas en las voces de algunas formas de polifonía primitiva como el organum. A partir del Renacimiento motete viene a significar simplemente obra de polifonía religiosa, de la misma manera que madrigal viene a significar muchas veces obra de polifonía profana.

La Música y la Danza en la Edad Media

LA MÚSICA Y LA DANZA EN LA EDAD MEDIA: EL CANTO GREGORIANO, EL MOVIMIENTO TROVADORESCO Y LAS DANZAS MEDIEVALES.

Contexto

La música de la Edad Media nos enfrenta a dos mundos musicales distintos: (1) EL CANTO GREGORIANO: música del clero; (2) CANCIONES Y DANZAS TROVADORESCAS: música de la nobleza (principalmente).

Características musicales:

- Ritmo: verbal, o en cierto modo libre, ya que sigue los acentos de las palabras.

- Timbre: no se usan instrumentos, solo voces lo más iguales posible. ("música a capella").

- Melodía: predominan los grandes conjuntos. La colocación del texto puede ser silábica, ligeramente melismática o muy melismática.

- Dinámica: suaves crescendi y descrescendi siguen la curva melódica.

- Textura: monódica (canto a una sola voz).

- Estilo: Exclusivamente religioso. 

               

Escritura musical

- Las melodías no se escribían, se confiaban a la memoria y se transmitía por tradición oral. Cuando las melodías se hicieron demasiado numerosas, comenzaran a utilizarse neumas que, colocadas encima del texto, indican vagamente las inflexiones de la melodía, y ayudan a la memoria. En el siglo X, los neumas se colocaban ya a diferentes alturas entorno a una línea roja. Poco a poco, se siguieron añadiendo líneas hasta llegar al tetragrama. Con el empleo de la pluma de ganso con punta ancha, se unificó la grafía, se simplificó, y se le dio el característico aspecto de la "notación cuadrada".

- Si el gregoriano es la expresión musical del clero, l música de los trovadores comienza siendo la expresión musical de la nobleza y termina siendo también la de la burguesía.

- Un trovador es un cantautor de la Edad Media, normalmente de clase alta, que compone canciones de autor. La lengua usada por los trovadores es el provenzal. Los del norte, que utilizan el francés, se llaman troveros, y los de Alemania minnesinger. Algunos trovadores contrataban a un juglar (a un músico no compositor) para que cantara en público para las cortes. En España, el trovador más importante es el rey Alfonso X el Sabio.

- Casi todas las danzas medievales que han llegado hasta nuestros días se conservan en sólo 2 manuscritos. Por desgracia, apenas tenemos datos de la coreografía de todos los bailes, sólo sabemos que a veces se bailaban en corro y otras por parejas formadas en hileras.

El Renacimiento

EL RENACIMIENTO

- El Renacimiento es un fenómeno que en el arte de la música va a suponer el nacimiento de una nueva música, con nuevos estilos y formas musicales.

- La música renacentista se caracteriza por ser polifónica, normalmente contrapuntista y todos las voces tienen la misma importancia.  Toda la música instrumentos se puede cantar, y viceversa. La distancia sólo se emplea en las notas de paso. Como en el Gregoriano, la letra es fundamental para transmitir el mensaje a través de la música. Según el pensamiento platónico, la música perfecciona al hombre. Las humanistas la consideran como un modo de exaltar al hombre y sus problemas, y como un modo de dirigirse a Dios y exaltar el pensamiento religioso.

-  Las principales técnicas de composición de la música renacentista son:

Ø  El contrapunto imitativo: técnica que consiste en imitar pequeños fragmentos entre distintas voces que componen la textura de una pieza.

Ø  La técnica de cantos firmus: sistema que consiste en que una melodía es cantada por una voz, mientras las otras tejen a su alrededor de la trama polifónica.

Ø  La tectónica de la variación: consiste en repetir un tema variándolo.

- Dentro de la música vocal religiosa podemos encontrar la misa y el motete. Tenemos libros de misa como "Misa de Requiem".  A partir del Renacimiento se llamaba motete a cualquier pieza religiosa que no formara parte de la misa o que tuviera entidad independiente.

- Dentro de la música profana hay que distinguir las escuelas italiana, francesa y, sobre todo la española.

·         En Italia destacan formas como el madrigal.

·         En Francia se encuentra la escuela franco-flamenca.

·         Es España, los 2 géneros principales de la polifonía profana eran el villancico y el romance. Destacó el compositor de villancicos Juan del Encima.

- La música instrumental comienza a tener una vida independiente del canto. Se divide en 4 grandes clases:

1. Composiciones derivadas de la música vocal.

2. Música de danza.

3. Formas improvisadoras.

4. Variaciones.

-El Renacimiento musical tiene una importancia transcendental en España, de forma que los historiadores consideran esta época como la Edad De Oro de la música española. La música española del Renacimiento está determinada por el espíritu religioso.

Impresionismo y Expresionismo

Impresionismo

El impresionismo fue uno de los movimientos regeneradores en la historia de la música, desarrollada en el último tercio del siglo XIX en Francia.

La gran figura inicial del impresionismo fue Claude Debussy.

Puso su genio en hallar una versión musical del impresionismo pictórico, creando una técnica propia.

El impresionismo supuso una nueva concepción del arte, que tuvo a poetas, pintores y músicos como armónicos mensajeros, cuya simbólica obra común podría ser el poema de Mallarmé, Preludio a la siesta de un fauno, al que puso música Debussy en 1892.

El término “impresionismo” es otra denominación que ha llegado a la Música procedente de otra vertiente del arte, en este caso, la pintura.

Características:

1. -        La poesía se llenó de musicalidad.
2. -   Lapintura consideró la imagen como una metafísica del sentido, reproduciendo el juego de la luz sobre la realidad visible. De este modo, se confundieron formas y colores.
3. -       La música no trató de describir, sino de encontrar la vida, la profundidad y el misterio en los ritmos, en las formas y en las armonías.

Expresionismo

·         El expresionismo fue un movimiento artístico europeo del primer tercio del siglo XX.

·         El término “expresionismo”, al igual que Impresionismo, se utilizó por primera vez en relación con la pintura.

·         El arte expresionista se caracteriza tanto por una desesperada intensidad de sentimientos como por modos de expresión revolucionarios.

·         La sensibilidad del artista debía imponerse ante su obra.

·         El máximo exponente de esta corriente fue Arnold Schönberg, quien abandonó todas las reglas e inició un nuevo lenguaje, el atonal, llamado Dodecafonismo.

POST-ROMANTICISMO

Post-romanticismo

El post-romanticismo es un movimiento intelectual que nace a finales del S. XIX, siguiendo al romanticismo.

En él, los artistas se rebelan contra la burguesía y sacan su espíritu de rebeldía y libertad.

En este período, al igual que pase en el romanticismo, la música formaba parte de la vida cultural. Se crearon instituciones para la enseñanza, ejecución y conservación de las obras musicales.

• Richard Wagner ejerció una enorme fascinación sobre los músicos post-románticos europeos. Todos los compositores cayeron bajo su hechizo aunque  muchos de ellos lucharon por no imitarle.

• ·         Renació en Alemania, la ópera sobre los cuentos infantiles. La principal obra compuesta de este tipo fue Hansel und Gretel (1893) de E. Humperdinck.

• ·         Se escribieron lieder para orquesta y voz, mientras que hasta ahora solo había sido de voz con piano, pero manteniendo la misma estructura

• ·         La orquesta se sigue ampliando, sobre todo en la sección del viento, metal y percusión.

• ·         Los compositores van abandonando las formas clásicas para darle mayor importancia al contenido y la expresividad.
• ·         Se pone de moda la música de salón, como los valses, mazurcas, polcas, etc. Los compositores más importantes son la familia Strauss. 

Música vocal en el romanticismo

Música vocal en el romanticismo. El lied, la ópera y la zarzuela.

- El movimiento romántico se da a finales del S. XVIII y principios del XIX.

-   En 1789 comienza la época de las revoluciones; el ser humano y su cultura están en continua evolución, y la libertad se entiende tanto a título personal como en un nivel colectivo, de nación.

-          Las consecuencias del cambio en las ideas provocan inseguridad. Muchos artistas se sienten desterrados de un paraíso, y el sentimiento de nostalgia y deseo de regresar, tiñe casi todas las obras producidas en la época.

-    A diferencia del Clasicismo, el Romanticismo da más importancia al sentimiento que a la forma. En música, la búsqueda de la libertad se manifiesta en todos los elementos: Las FRASES MELÓDICAS huyen de la simetría, las TEXTURAS exploran nuevas armonías, las FORMAS racionales y concretas tienden a transformarse, y surgen NUEVOS GÉNEROS: Géneros Miniatura (medio para expresar el lirismo y el sentimiento romántico).

-          Los escenarios de la música cambian, y en los nuevos contextos, se desarrolla el LIZO, que es una entonación musical de un texto poético alemán, acompañada generalmente por piano. Abunda el Lied estrófico en el que a cada estrofa del poema corresponde la misma melodía y acompañamiento. Puede tomar la forma ABA (forma Lied). Un aspecto interesante de los lieder lo encontramos en los diferentes papeles que puede representar el acompañamiento pianístico, instrumento que comienza a ser parte del sentido profundo de la música con el músico Schubert. Los grandes herederos de éste fueron: Robert Schumann, Johannes Brahms y Hugo Wolf.

-    La ÓPERA (obra de teatro enteramente cantada) es una forma de expresión romántica. En ella se traduce el gusto extremista por lo grande y por lo pequeño. Lo grande está representado por la Gran Ópera, y lo pequeño por géneros como la Ópera Cómica y la opereta. En el Bel Canto también pervive la tradición. Sus máximos exponentes fueron: Rossini, Bellini, Donizetti.

ØRossini culmina la ópera del X. XVIII y comienza una nueva época. Compone 32 óperas y prueba la Gran Ópera con solo instrumentos de madera y una melodía deleitante y conmovedora. Antes de llegar a Verdi, la ópera pasa por dos nombres importantes: Donizetti, con obras serias y óperas bufas, y Bellini, con 10 óperas de género serio.

Ø  Verdi es el gran genio de la ópera Italiana del S. XIX, y el heredero de Donizetti y Bellini. Sus dramas (muy vinculados al Risorgimiento), se cuentan a través de una melodía vocal, directa y sencilla.

Ø  La ópera alemana está representada por la gran personalidad de Richard Wagner, que crea el drama. Pretende unir todas las artes en lo que él llama “obra de arte total”. La orquesta es el punto crucial de sus óperas, y crea un elemento orquestal: que unificará sus óperas.

Ø  La gran época de la ZARZUELA (género teatral español con partes habladas y otras cantadas, surgido en el Barroco) será también el S. XIX. En esta época se dan obras de gran carácter popular, y a partir de ahí, se intenta dar al género un carácter importante sin perder sus raíces populares, pero nunca se logró del todo, a pesar de los esfuerzos de Barbieli, Gaztizambe y Arrieta.

Ø  Las zarzuelas de más pretensiones conforman el llamado género Grande, mientras que las más modestas, se reconocen en el género Chico. En ambos casos, los autores son los mismos nombrados anteriormente.

Ø  A través del género Bufo, se intenta llegar al gran público, al igual que con los géneros anteriores.

Ø  Hoy se piensa que lo más logrado de la zarzuela se encuentra en el género Chico, sobre todo en el segundo período. Ejemplo: Tomás Bretón – “La verbena de la Paloma”).

Ø  La decadencia del género comienza a partir de 1910 y culmina poco después de la Guerra Civil. No obstante, hay autores y títulos meritorios. Quizás, el más memorable, sea “Luisa Fernanda” de Federico Moreno Torroba. 

Recomendaciones

A continuación recomendamos algunos enlaces y páginas de sitios webs que consideramos interesantes para la ampliación del saber adquirido.

http://www.aprendomusica.com/

Además, la película que resume la vida de Beethoven.

También podemos destacar la existencia de una película acerca de la vida de Amadeus Mozart, os dejamos el trailer para que si os gusta, os animéis a verla.